Piero Manzoni
Arte, Fotografía, Escultura, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones
Arte, Fotografía, Escultura, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones
Arte, Fotografía, Escultura, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Piero Manzoni nació el 13 de julio de 1933 en Soncino (cerca Cremona, en el centro de la Llanura Padana). Creció en Milán, y las vacaciones veraniegas las transcurrió a Albisola Marina, en Liguria, donde la familia frecuentaba Lucio Fontana, el fundador del Spazialismo.
En 1956 debutó en la "Fiera Mercato" del Castello Sforzesco de Soncino. El año sucesivo participó a la exposición "Movimento arte nucleare", en la Galleria San Fedele de Milán: pintó
siluetas antropomorfas y cuadros con
huellas de objetos. Además realizó los primeros
Achromes ("Superfici acrome", 1957), grandes superficies blancas embebidas de cola y caolino (una arcilla blanca empleada por la producción de la cerámica).
En 1958 expuso con Lucio Fontana y Enrico Baj. Empezó la colaboración con Enrico Castellani y Agostino Bonalumi. En 1959 fundó el periódico "Azimuth" y la Galleria Azimut.
El estilo de Manzoni se volvió siempre más radical. Superó la superficie del cuadro y propuso una serie de obras provocatorias, intolerantes respecto a la tradición:
- las Líneas ("Linee") trazadas sobre tiras de papel, enrolladas y encerradas en un tubo de cartón (la más larga mide 7.200 m. y fue creada a Herning, en Dinamarca, en 1960, gracias al mecenazgo de Aage Damgaard);
- los Huevos escultura, autenticados con las impresiones digitales por el artista;
- las Bases mágicas, pedestales encima de las cuales cualquiera que se ponga puede volverse una obra de arte;
El 21 de julio de 1960, Piero Manzoni presentó en la galería Azimut una de las performance más afamadas: la
Consumición del arte dinámica del público devorar el arte ("Consumazione dell'arte dinamica del pubblico divorare l'arte").
El artista firmó con la huella del pulgar algunos huevos duros que vendrán consumidos en el lugar mismo por el público.
En 1961, Piero Manzoni, firma por primera vez algunos seres humanos transformandoles en
Esculturas vivientes ("Sculture viventi") y puso en venta las 90 cajitas de
Mierda de artista ("Merda d'artista").
Al año siguente projectó con el editor Jes Petersen un libro da las páginas blancas: "Piero Manzoni. La vida y los trabajos".
El 6 de febrero de 1963, Manzoni murió de repente por infarto en Milán, en su taller.
Piero Manzoni
a cura di Germano Celant
Napoli, 19 maggio – 24 settembre 2007
La mostra, curata da Germano Celant, intende offrire, ad un decennio dalla sua ultima antologica, una nuova rilettura del percorso creativo di
Piero Manzoni attraverso le diverse fasi della sua breve ma intensa carriera - dal 1956 al 1963, anno della sua prematura scomparsa - e il suo contesto storico.
Le circa 200 opere, provenienti da collezioni pubbliche e private europee e nordamericane, documentano la sua ricerca pittorica a partire dai catrami e dalle impronte di oggetti fino a tutte le tipologie di Achromes. Il termine da lui coniato - letteralmente non-colore - esprime la distanza che separa il suo lavoro sia delle istanze irrazionali e gestuali dell’Informale che dalla pittura monocroma a lui contemporanea, per affermare il valore primario dei materiali utilizzati, dal caolino al gesso, dalla tela al peluche, dalla fibra naturale in cotone a quella artificiale in vetro, dall’ovatta al polistirolo. L’aspetto concettuale del suo fare è testimoniato, inoltre, dalle Linee, tracciate, dal 1959 al 1961, su rotoli di carta di varie lunghezze e poi racchiusi in scatole cilindriche, mentre il suo interesse per il corpo umano quale produttore di segni e tracce da impiegare in arte si concretizza nei Fiati d’artista e nelle scatolette di Merda d’artista.
Etiquetas: Arte, Arte-Contemporáneo, Escultura, Exposiciones, Fotografía, Galerías, Gallery, Internacional, Museos, Piero-Manzoni, Sculpture, Scultures-viventi, Videoartista
Piero Manzoni
Arte, Fotografía, Escultura, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones
Arte, Fotografía, Escultura, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones
Arte, Fotografía, Escultura, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Arte, Fotografía, Escultura, Sculpture, Videoartista, Gallery, Galerías, Museos, Internacional, Arte-Contemporáneo, Exposiciones, USA, Spain, France, Germany
Piero Manzoni nació el 13 de julio de 1933 en Soncino (cerca Cremona, en el centro de la Llanura Padana). Creció en Milán, y las vacaciones veraniegas las transcurrió a Albisola Marina, en Liguria, donde la familia frecuentaba Lucio Fontana, el fundador del Spazialismo.
En 1956 debutó en la "Fiera Mercato" del Castello Sforzesco de Soncino. El año sucesivo participó a la exposición "Movimento arte nucleare", en la Galleria San Fedele de Milán: pintó
siluetas antropomorfas y cuadros con
huellas de objetos. Además realizó los primeros
Achromes ("Superfici acrome", 1957), grandes superficies blancas embebidas de cola y caolino (una arcilla blanca empleada por la producción de la cerámica).
En 1958 expuso con Lucio Fontana y Enrico Baj. Empezó la colaboración con Enrico Castellani y Agostino Bonalumi. En 1959 fundó el periódico "Azimuth" y la Galleria Azimut.
El estilo de Manzoni se volvió siempre más radical. Superó la superficie del cuadro y propuso una serie de obras provocatorias, intolerantes respecto a la tradición:
- las Líneas ("Linee") trazadas sobre tiras de papel, enrolladas y encerradas en un tubo de cartón (la más larga mide 7.200 m. y fue creada a Herning, en Dinamarca, en 1960, gracias al mecenazgo de Aage Damgaard);
- los Huevos escultura, autenticados con las impresiones digitales por el artista;
- las Bases mágicas, pedestales encima de las cuales cualquiera que se ponga puede volverse una obra de arte;
El 21 de julio de 1960, Piero Manzoni presentó en la galería Azimut una de las performance más afamadas: la
Consumición del arte dinámica del público devorar el arte ("Consumazione dell'arte dinamica del pubblico divorare l'arte").
El artista firmó con la huella del pulgar algunos huevos duros que vendrán consumidos en el lugar mismo por el público.
En 1961, Piero Manzoni, firma por primera vez algunos seres humanos transformandoles en
Esculturas vivientes ("Sculture viventi") y puso en venta las 90 cajitas de
Mierda de artista ("Merda d'artista").
Al año siguente projectó con el editor Jes Petersen un libro da las páginas blancas: "Piero Manzoni. La vida y los trabajos".
El 6 de febrero de 1963, Manzoni murió de repente por infarto en Milán, en su taller.
Piero Manzoni
a cura di Germano Celant
Napoli, 19 maggio – 24 settembre 2007
La mostra, curata da Germano Celant, intende offrire, ad un decennio dalla sua ultima antologica, una nuova rilettura del percorso creativo di
Piero Manzoni attraverso le diverse fasi della sua breve ma intensa carriera - dal 1956 al 1963, anno della sua prematura scomparsa - e il suo contesto storico.
Le circa 200 opere, provenienti da collezioni pubbliche e private europee e nordamericane, documentano la sua ricerca pittorica a partire dai catrami e dalle impronte di oggetti fino a tutte le tipologie di Achromes. Il termine da lui coniato - letteralmente non-colore - esprime la distanza che separa il suo lavoro sia delle istanze irrazionali e gestuali dell’Informale che dalla pittura monocroma a lui contemporanea, per affermare il valore primario dei materiali utilizzati, dal caolino al gesso, dalla tela al peluche, dalla fibra naturale in cotone a quella artificiale in vetro, dall’ovatta al polistirolo. L’aspetto concettuale del suo fare è testimoniato, inoltre, dalle Linee, tracciate, dal 1959 al 1961, su rotoli di carta di varie lunghezze e poi racchiusi in scatole cilindriche, mentre il suo interesse per il corpo umano quale produttore di segni e tracce da impiegare in arte si concretizza nei Fiati d’artista e nelle scatolette di Merda d’artista.
Etiquetas: Arte, Arte-Contemporáneo, Escultura, Exposiciones, Fotografía, Galerías, Gallery, Internacional, Museos, Piero-Manzoni, Sculpture, Scultures-viventi, Videoartista
Gyula Kosice
Nacido bajo el nombre de Fernando Fallik el 26 de abril de 1924 en Kosice, Checoslovaquia (antes Hungría). Poco después de haber nacido, sus padres emigraron a la Argentina, donde se establecieron.
Utilizó como nombre de artista su ciudad natal. Fue uno de los iniciadores del arte abstracto no figurativo en América Latina. Utilizó, por primera vez en el plano mundial, el agua y el gas neón como parte de sus obras artísticas. También se valió de otros elementos novedosos en el ambiente como la luz, y el movimiento.
La década del 40 constituyó la fase inicial de su producción, marcando un hito dentro de la historia del arte argentino. En ese momento surgieron tendencias artísticas que afirmaron una estética científica basada en la ideología materialista. Además, plantearon la construcción de una pintura no figurativa, tendiente a cuestionar el concepto de representación vigente. Fueron hechos clave en esa época, la aparición de la revista
Arturo en 1944, y las exposiciones tituladas
Arte Concreto Invención y
Movimiento de Arte Concreto Invención. Ambas organizadas en la casa del psicoanalista Pichón Rivière y de la fotógrafa Grete Stern , respectivamente, en 1945. De las mismas se desprendieron el movimiento
Madi , la
Asociación Arte Concreto Invención , y luego el
Perceptismo fundado por Raúl Lozza.
En ese contexto, Gyula Kosice ingresó en la escena del arte, haciéndose reconocido por sus escritos y manifiestos pero, fundamentalmente, por su vastísima producción plástica cuyas referencias se hallaron en los movimientos de arte abstracto-constructivos europeos.
Fue cofundador de la revista Arturo , junto con Carmelo Arden Quin, Edgar Bayley y Rhod Rothfuss. En esa publicación, que contó con un número único, gran cantidad de artistas y poetas pusieron en evidencia las primeras premisas de una nueva modalidad de creación. Referenciales para ciertas vertientes del arte contemporáneo, al preconizar el acto de inventar ante el hecho representativo de la imagen.
Además, en esa edición, el artista publicó un artículo donde polemizó contra el automatismo surrealista y también abogó por la teoría del marco recortado.
Luego de haber participado en esas primeras actividades grupales poco unificadas y escindidas por diferentes posicionamientos dentro de la práctica no-figurativa, en 1946 creó el movimiento Madí junto con Arden Quin, Martín Blaszko y Rothfuss. El grupo, enfrentándose al estatismo del arte concreto, se destacó por la realización de piezas cuyas estructuras formularon un intento por neutralizar las diferencias entre pintura y escultura, a partir tanto de la invención del marco recortado como de las búsquedas formales más relacionadas con la invención y lo lúdico.
Dos espacios. Pintura Madí pertenece a ese período de creación del autor. En la obra se articularon los planteos que realizó en 1948, en la revista Arte Madí. Allí, defendió la importancia del marco irregular, de la pintura articulada y también de la escultura con movimiento articulado, lineal, desplazable y universal. Entre otras cosas, planteó la concepción de un espacio físico, distinto de la representación que se tiene del mismo mediante la experiencia visual.
La revista se editó hasta 1950 pero el grupo se subdividió en 1947. Fecha a partir de la cual, Kosice y Rothfuss transformaron el nombre Madí en Madimensor.
En Relieve-distensión , el artista continuó con su planteo estructural del marco recortado y la generación de movimiento a partir de la superposición de planos marcados con líneas, curvas y concavidades.
Con posterioridad a esa etapa realizó estructuras lumínicas, donde por primera vez, se empleó el gas neón. Tríada forma parte del conjunto de obras en las que la luz comenzó a ser el elemento primordial, generando un importante juego de reflexión y refracción entre las partes de la obra, el ambiente y el espectador.
También fue precursor de la escultura hidráulica, en la que dispuso del agua como elemento esencial de la construcción.
Recientemente, ha transformado su taller en un museo que recorre su obra desde la década del 40 hasta la actualidad.
Además de la intensa producción plástica, ha publicado libros de ensayo y poesía a lo largo de su trayectoria artística.
En 1984 fue Miembro Honorario de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, y fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Gobierno de Francia, en 1989.
En 1997, fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.
Realizó numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas, en diversas ciudades del mundo.
Ha recibido, entre otras, las siguientes distinciones: Medalla de bronce Expo-internacional de Bruselas 1958, Primer Premio Nacional de Escultura, ITDT 1962, Premio Adquisición MNBA 1962, Premio FNA a la mejor producción 1970-71, Diploma Académico de Italia, Parma-Italia 1980, Premio Konex de Platino 1983, y Premio a la Trayectoria , FNA 1995.
Etiquetas: 49 Bienal de arte de Venecia, 49 Biennale Internazionale d'Arte di Venezia, Argentina, Art, Arte, Arte-Contemporáneo, Artista, Assemblages, Década del 60, Esculturas, Gyula-Kosice, Kosice
Gyula Kosice
Nacido bajo el nombre de Fernando Fallik el 26 de abril de 1924 en Kosice, Checoslovaquia (antes Hungría). Poco después de haber nacido, sus padres emigraron a la Argentina, donde se establecieron.
Utilizó como nombre de artista su ciudad natal. Fue uno de los iniciadores del arte abstracto no figurativo en América Latina. Utilizó, por primera vez en el plano mundial, el agua y el gas neón como parte de sus obras artísticas. También se valió de otros elementos novedosos en el ambiente como la luz, y el movimiento.
La década del 40 constituyó la fase inicial de su producción, marcando un hito dentro de la historia del arte argentino. En ese momento surgieron tendencias artísticas que afirmaron una estética científica basada en la ideología materialista. Además, plantearon la construcción de una pintura no figurativa, tendiente a cuestionar el concepto de representación vigente. Fueron hechos clave en esa época, la aparición de la revista
Arturo en 1944, y las exposiciones tituladas
Arte Concreto Invención y
Movimiento de Arte Concreto Invención. Ambas organizadas en la casa del psicoanalista Pichón Rivière y de la fotógrafa Grete Stern , respectivamente, en 1945. De las mismas se desprendieron el movimiento
Madi , la
Asociación Arte Concreto Invención , y luego el
Perceptismo fundado por Raúl Lozza.
En ese contexto, Gyula Kosice ingresó en la escena del arte, haciéndose reconocido por sus escritos y manifiestos pero, fundamentalmente, por su vastísima producción plástica cuyas referencias se hallaron en los movimientos de arte abstracto-constructivos europeos.
Fue cofundador de la revista Arturo , junto con Carmelo Arden Quin, Edgar Bayley y Rhod Rothfuss. En esa publicación, que contó con un número único, gran cantidad de artistas y poetas pusieron en evidencia las primeras premisas de una nueva modalidad de creación. Referenciales para ciertas vertientes del arte contemporáneo, al preconizar el acto de inventar ante el hecho representativo de la imagen.
Además, en esa edición, el artista publicó un artículo donde polemizó contra el automatismo surrealista y también abogó por la teoría del marco recortado.
Luego de haber participado en esas primeras actividades grupales poco unificadas y escindidas por diferentes posicionamientos dentro de la práctica no-figurativa, en 1946 creó el movimiento Madí junto con Arden Quin, Martín Blaszko y Rothfuss. El grupo, enfrentándose al estatismo del arte concreto, se destacó por la realización de piezas cuyas estructuras formularon un intento por neutralizar las diferencias entre pintura y escultura, a partir tanto de la invención del marco recortado como de las búsquedas formales más relacionadas con la invención y lo lúdico.
Dos espacios. Pintura Madí pertenece a ese período de creación del autor. En la obra se articularon los planteos que realizó en 1948, en la revista Arte Madí. Allí, defendió la importancia del marco irregular, de la pintura articulada y también de la escultura con movimiento articulado, lineal, desplazable y universal. Entre otras cosas, planteó la concepción de un espacio físico, distinto de la representación que se tiene del mismo mediante la experiencia visual.
La revista se editó hasta 1950 pero el grupo se subdividió en 1947. Fecha a partir de la cual, Kosice y Rothfuss transformaron el nombre Madí en Madimensor.
En Relieve-distensión , el artista continuó con su planteo estructural del marco recortado y la generación de movimiento a partir de la superposición de planos marcados con líneas, curvas y concavidades.
Con posterioridad a esa etapa realizó estructuras lumínicas, donde por primera vez, se empleó el gas neón. Tríada forma parte del conjunto de obras en las que la luz comenzó a ser el elemento primordial, generando un importante juego de reflexión y refracción entre las partes de la obra, el ambiente y el espectador.
También fue precursor de la escultura hidráulica, en la que dispuso del agua como elemento esencial de la construcción.
Recientemente, ha transformado su taller en un museo que recorre su obra desde la década del 40 hasta la actualidad.
Además de la intensa producción plástica, ha publicado libros de ensayo y poesía a lo largo de su trayectoria artística.
En 1984 fue Miembro Honorario de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, y fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Gobierno de Francia, en 1989.
En 1997, fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.
Realizó numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas, en diversas ciudades del mundo.
Ha recibido, entre otras, las siguientes distinciones: Medalla de bronce Expo-internacional de Bruselas 1958, Primer Premio Nacional de Escultura, ITDT 1962, Premio Adquisición MNBA 1962, Premio FNA a la mejor producción 1970-71, Diploma Académico de Italia, Parma-Italia 1980, Premio Konex de Platino 1983, y Premio a la Trayectoria , FNA 1995.
Etiquetas: 49 Bienal de arte de Venecia, 49 Biennale Internazionale d'Arte di Venezia, Argentina, Art, Arte, Arte-Contemporáneo, Artista, Assemblages, Década del 60, Esculturas, Gyula-Kosice, Kosice
